Cuando empecé a hacer cine me enfrenté a un problema al que la mayoría de los que crean se enfrentan: no saber qué hacer. Así que por ello he decidido hacer estas entregas en las que abordaré el proceso creativo de los proyectos que he filmado, para que aquellos que lean esto encuentren una pista que pueda ayudarles a encontrar el camino de la historia que quieren contar.
¿De dónde vienen las ideas? Es una pregunta compleja pues cada cabeza es un mundo y lo que a una persona puede parecerle una buena idea a otra no. ¿Cómo debe entenderse el proceso creativo? Tampoco hay absolutos en esta parte, se dice que todos los caminos llevan a Roma y tal vez cuando se trata de crear es cuando más sentido cobra esa frase.
Scorsese afirma en una entrevista hecha por Laurent Tirard que el problema de muchos cineastas jóvenes es que no tienen nada que decir, pueden dominar la técnica porque eso es lo que se enseña en las escuelas de cine pero lo difícil, lo que no te enseñan, es aquello a lo que podemos llamar la carnita de la película, la esencia. Y eso, definitivamente, es lo que todo cineasta debe perseguir.
Desde mi punto de vista, la creación cinematográfica tiene su origen en la emoción humana. Vemos películas porque nos emocionan, nos conmueven, nos hacen sentir algo, así que lo que uno debería perseguir al crear una película es provocar alguna emoción. De tal manera, una vez que comienza el proceso de escritura e incluso durante el rodaje, cuando las cosas parecen no avanzar, siempre se puede mirar hacia la emoción que se persigue y así encontrar el camino adecuado. Es decir, si mi personaje hace equis acción, ¿Qué va a provocar en el espectador? ¿es la emoción que busco?
Sin embargo también existe otro camino, uno que va más orientado a explorar, ya sea técnicas, formatos e incluso también a abordar temas o sucesos que nos interesen como creadores. Es el caso de Ojos ajenos:
Título: Ojos ajenos
Año: 2020
Director: Jesús Herrera Jaimes
Guión: Jesús Herrera Jaimes
Sinopsis: Hugo encuentra una extraña criatura en el bosque, tras someterla la lleva a casa, donde descubrirá de qué clase de criatura se trata.
El origen
Puedo rastrear dos posibles caminos que me llevaron a escribir y posteriormente filmar Ojos ajenos, el primero me remonta a mi fascinación por la temática UFO que tiene su origen en el programa Tercer Milenio de Jaime Mausán. Desde niño estaba obsesionado con los videos OVNI que el señor Mausán mostraba en su programa y anhelaba ser testigo del fenómeno algún día. Nunca sucedió, pero cuando empecé a interesarme en el cine me di cuenta de que era una buena oportunidad para abordar el tema. No sabía cómo pero sabía que eventualmente se me ocurriría la manera de hacerlo.
El segundo punto de origen vino del capítulo 5 de la cuarta temporada de Black Mirror, Metalhead, escrito por Charlie Broker y dirigido por David Slade. Aunque es un capítulo de televisión es totalmente cinematográfico, prácticamente sin diálogos, filmado en blanco y negro de alto contraste, un solo personaje y una criatura que lo amenaza. El capítulo me pareció asombroso, durante 50 minutos el director mantiene una tensión constante con poquísimos elementos así que cuando terminé de verlo sabía que quería hacer una película así. De pronto ¡Eureka! Era el momento de retomar mi idea de UFO.
No hay mucho más que decir, una vez que sabía qué tipo de película quería hacer, exactamente con qué elementos quería contarla y de qué quería hablar, ya sólo tenía que escribir y buscar el financiamiento.
El desarrollo
Una vez escrito el guión era momento de comenzar con la preproducción, que podemos dividir en 4 partes; casting, locaciones, diseño fotográfico y diseño de producción.
Casting
Elegí a mi amigo Hugo Rocha como protagonista porque es un gran actor, así que no hay mucho que abordar en este punto. Sólo necesitaba a alguien con atributos físicos que hicieran creíble que podía someter a una criatura y Hugo contaba con eso pero también con lo más importante: Hugo es un actor que hace (después abordaré a los tipos de actores), es alguien a quien podía darle una instrucción clara y que la ejecutaría sin requerir más trabajo de preparación, lo que facilitaría el rodaje pues se trataba de una locación "problemática".
Locaciones
Hay tres locaciones en este corto: el quirófano, la casa y el bosque. La casa no era mayor problema, no necesitaba una casa en particular, las otras dos locaciones sí que eran importantes pues ahí se desarrollaba todo el peso dramático de la historia.
El bosque: elegimos el Ajusco por ser el bosque más cercano, contar con una carretera poco transitada, varios árboles enormes, un río seco que nos daba la oportunidad de filmar sobre él sin equipo especial y una colina pequeña que a cuadro daba la impresión de ser enorme. Todo en una superficie no mayor a la de una manzana en la ciudad.
Fotografías del scouting
Rodaje en el bosque
El quirófano: a diferencia del bosque que se adaptó muy bien a nuestras necesidades, con el quirófano no fue así. Acá fue necesario vestir más la locación pues se trataba de un cubo de paredes blancas sin textura. Como director de fotografía elaboré unas cookies junto con Daniel Delgado, mi gaffer, para dar la sensación de persianas que generaran textura. Además cubrimos un muro de banderas negras para usarlas como fill negativo y evitar tanto rebote de luz y usamos una luz práctica que reforzamos con leds fuera de cuadro.
Coockie de persianas
Diseño fotográfico
La ausencia de diálogos me obligó a diseñar con mucho cuidado cada plano así que desde el scouting llevé mi cámara y me di idea de qué planos podía realizar sin complicarme tanto la vida. Hacerlo fue algo que me ayudó muchísimo durante el rodaje pues aunque muchos directores prefieren elegir sus encuadres sobre la marcha (a veces yo lo hago) en este caso no podía darme ese lujo pues contaba con poco tiempo para filmar.
Desde la concepción, el proyecto estaba contemplado el blanco y negro de alto contraste por lo que diseñé un lut para monitorear en set; asimismo, al ver los paisajes tan fabulosos en el scouting la elección del aspect ratio de 2.35 era obvia. Lo único que requirió pruebas fue el vestuario que era sencillo, pero requería elegir adecuadamente los colores para que generaran una escala de grises armoniosa con el resto del encuadre.
Notas de mi cuaderno de producción
Algo que definitivamente aportó un look único fue la óptica. Usé lentes lomo daguerrotipo por su peculiar look y aberración óptica. Quería provocar una sensación de asecho, suspenso y temor así que necesitaba una óptica que mostrara la imagen de una manera poco natural, que visualmente te hiciera sentir incómodo y las lentes lomo que R7D me proporcionó mediante la convocatoria #hazmascine fueron la mejor opción. Estas ópticas limitaron y a la vez definieron mi lenguaje, son grandes, no tienen anillo de foco y su diafragma es de placa así que la cámara tuvo que permanecer estática y el foco definido en un plano.
Cámara FS7 con óptica lomo daguerrotipo proporcionadas por R7D
Diseño de producción
Algo a lo que siempre te enfrentas como cineasta, sin importar si vas empezando o estás consolidado con un gran nombre en la industria es el presupuesto. Cuentas con determinada cantidad y una de las tareas más importantes del director es decidir en qué se gasta cada peso. Mi presupuesto era muy limitado y el mayor reto del diseño de producción era hacer una criatura creíble, fotorrealista y a la altura del resto de elementos de la película pero con prácticamente ningún presupuesto. Después de pensarlo mucho y decidir si gastaba mi presupuesto en prostética o en logística decidí recurrir a un clásico: Tiburón de Steven Spielberg. Es conocido que el tiburón de la película se veía fatal por lo que el director decidió ocultarlo lo más que pudo, así que yo hice lo mismo. Pintamos a Lariza Zepeda, quien interpretó a la criatura, completamente de negro y mostramos sólo algunos detalles como sus pies, manos o piernas en algunos momentos para hacer un contraluz al final y revelar sólo una silueta humanoide en el fondo. Asimismo, para mostrar los órganos de la criatura durante la cirugía recurrimos a algo muy básico pero efectivo: el hígado crudo. ¿Por qué? Porque todo el mundo odia el hígado.
Plano final
Hígado en acción 1
Hígado en acción 2
Postproducción
La edición fue bastante sencilla pues desde hace tiempo procuro no filmar más material del que voy a usar y fiel a mis inicios como editor, no ruedo un solo plano si no sé cómo lo voy a unir con el anterior y con el que sigue. Así, mi proceso de edición sólo duró unas horas.
La corrección de color también fue sencilla pues desde cámara procuré que cada plano estuviera en los niveles necesarios de contraste y exposición. Al ser blanco y negro no tuve que preocuparme por la temperatura de color ni por el halo magenta que los filtros ND suelen provocar. Así que en la post únicamente me ocupé de hacer ligeros ajustes de exposición en algunos planos.
Algo que sí tomó tiempo fueron los VFX, que aunque sólo ocurren en un plano tuvieron que generarse desde cero procurando el fotorrealismo. No estaba contemplado en guión pero al llegar al scouting y visualizar el plano en cuestión, pedía a gritos incluir el VFX de la nave cayendo, lo único que tuve que contemplar para lograrlo fue evitar la aberración del daguerrotipo por lo que usé un lente zoom 18-110 de sony y mediante los plugins de deformación óptica de Red Giant igualé el efecto de los lentes lomo.
Nótese aberración en las piedras de la foto 1, así como la deformación en la nave cayendo de la foto 2 respecto a la foto 3
Cierre
Esta fue la experiencia de filmar Ojos ajenos. Si llegaste hasta acá, espero que te haya servido y si tienes dudas comenta y trataré de responder a la brevedad. A continuación puedes ver el Making of del corto.
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